Lima film yang mengubah wajah perfilman

Berbicara tentang dunia perfilman, ada beberapa film penting yang tidak hanya mengubah cara berpikir kita, tetapi juga memberikan perspektif yang intens dan mentah tentang kehidupan manusia yang pada akhirnya akan bertahan selama bertahun-tahun yang akan datang. Meskipun ini mungkin ditujukan untuk audiens khusus atau cenderung memiliki kualitas arthouse tertentu bagi mereka, mereka menggambarkan emosi yang tiada duanya melalui teknik penyutradaraan yang cerdas atau penceritaan yang kuat. Pada akhirnya, selama film membuat Anda merasakan sesuatu, apakah Anda sangat menyukainya atau tidak menyukainya sama sekali, maka film tersebut layak untuk ditonton, karena itu menunjukkan diri Anda dan pendapat Anda yang kuat. Berikut adalah beberapa film dunia modern yang harus dilihat yang telah mengubah wajah perfilman dan dapat membangkitkan emosi yang kuat pada penontonnya.

Sejarah Tokyo (1953) – Yasujirō Ozu

Plotnya sederhana. Dua orang tua lanjut usia melakukan perjalanan dari Jepang ke Tokyo untuk mengunjungi anak-anak mereka. Di bawah permukaan, ada banyak emosi kompleks yang bisa ditemukan. Eksplorasi dinamika keluarga yang rumit mendominasi film ini, di mana gaya minimalis sutradara semakin menyempurnakan setiap aspek. Tokyo Story jelas merupakan film Ozu yang paling terkenal dan gayanya sangat lazim di sepanjang film. Hampir tanpa pergerakan kamera, ia mengarahkan seluruh narasi melalui komposisi yang kuat dan sama sekali tidak ada potongan atau dialog yang tumpang tindih. Keheningan kemudian menjadi fitur film yang paling unik di mana kepribadian karakternya dapat menonjol. Film ini menyeimbangkan kualitas emotifnya dengan memisahkan adegan-adegan dengan gambaran kehidupan sehari-hari yang biasa namun menggugah, termasuk jalanan yang kosong, asap, pakaian yang digantung di barisan, dan spanduk yang tertiup angin. Meskipun film ini dibuat beberapa dekade yang lalu, hampir tujuh tahun setelah perang, itu masih berlaku hingga hari ini sebagai kisah keluarga yang sangat menyentuh dan pencarian kami akan cinta dan makna. Menampilkan konflik brutal antara cucu modern dan kakek-nenek tradisional mereka, film ini berhasil menanamkan tema kolektivisme versus individualisme, menggambarkan gagasan penuaan dan nostalgia bagi kaum muda. Menghadirkan gaya sinema yang sangat humanistik, menghilangkan kebutuhan akan efek atau workshop, Ozu menghadirkan nuansa kehidupan sehari-hari dengan cara yang sangat relevan.

8 1/2 (1963) – Federico Fellini

Apa cara lain untuk menggambarkan ini selain film tentang bioskop. Pada saat Fellini hendak membuat 8½, dia sudah mengerjakan enam fitur dan dua celana pendek. Judulnya menciptakan ironi tertentu dengan secara harfiah mengacu pada jumlah film yang dia buat, hampir seolah-olah itu adalah nomor seri. Film ini berfungsi sebagai metafora untuk pembuatan film oleh sutradara yang lelah dan tidak bersemangat, mencapai keseimbangan sempurna antara fantasi dan kenyataan di mana kehidupan nyata paralel dengan momen non-narasi membuatnya tampak seperti mimpi demam. Sang protagonis, Guido, mengalami krisis inspirasi yang sama seperti yang dialami Fellini ketika pertama kali mengandung 8 , dan melalui dia, Fellini menciptakan kontras antara kehidupan nyata dan kehidupan nyata. Seorang sutradara yang lebih memilih sinema sebagai cinta gambar daripada kendaraan untuk ide, terbebani oleh harapan wajib dunia, paralel konfliknya sebagai karakter Guido mundur ke dunia lain, menemukan dirinya dalam krisis pada waktu dengan film berikutnya dan kehidupan pribadinya. Berfungsi sebagai pintu gerbang untuk melihat ke dalam tipu daya ilusi film dalam cara mereka membawa Anda dari satu tempat ke tempat lain, ini bukan film yang harus Anda ikuti, tetapi serangkaian gambar penuh simbolisme yang harus Anda jalani.

Sopir Taksi (1976) – Martin Scorsese

Menyelam ke dalam film noir, film thriller ini sama sekali bukan film biasa dari jenisnya. Itu tidak bergantung pada perangkat plot eksternal yang perlahan-lahan membangun momen klimaks, melainkan menampilkan protagonis yang turun ke kegilaan yang hasratnya membuatnya putus asa dan akhirnya menjadi gila. Dia akhirnya terwujud menjadi anti-pahlawan yang dihormati yang tidak akan dilupakan selama berabad-abad. Perjalanan moral dan etika pemimpinnya tetap relevan sebagai cerminan masyarakat kita dan konflik-konflik yang melandasinya. Film ini diatur di New York City, menyoroti celah-celah berpasir dari Big Apple yang sebagian besar pengetahuan sinematik era ini akan berpaling dari. Travis Bickle, karakter utama kami, adalah seorang veteran yang mengalami luka parah di Vietnam dan melakukan segala kemungkinan untuk menenangkan kecenderungan moralnya sambil mencoba mengatasi kesedihan dan kecenderungan kekerasan. Unsur tematik kesepian yang melingkupi penggambarannya mungkin menjadi salah satu motif yang paling relevan dan menakutkan bagi penonton. Dan sementara kesedihan karakter mungkin memenuhi film, ada sisi komedi tertentu basah kuyup dalam absurditas yang mengintai dalam kebobrokan kemanusiaan, membuat film penggambaran yang sangat baik dari konflik ambiguitas moral yang kita hadapi setiap hari.

M (1931) – Fritz Lang

Film thriller Jerman ini pertama kali terkenal karena penggunaan teknik pencahayaan yang inovatif dan suara di luar layar untuk memaksimalkan perasaan horor. Film ini dimulai dengan set-piece tentang seorang pembunuh anak yang produktif bernama Hans Beckert, tidak diragukan lagi menetapkan dia sebagai penjahat. Namun, seiring berjalannya waktu, konsep ini dengan cepat berubah dan pemirsa menemukan diri mereka dalam posisi yang sulit tentang apa yang dianggap adil. Film ini mengomentari gagasan kehendak bebas yang sebenarnya dan, melalui efek domino, menciptakan beberapa perselisihan hukum dan mendiskreditkan konsep keadilan, terutama ketika itu berasal dari patah hati dan disampaikan oleh massa yang haus darah. Banyak aspek sinematografi film, termasuk kontras gambar dan posisi kamera, membantu menyampaikan tema konflik dan kekuasaan yang serupa. Pada akhirnya, dengan humanisasi monster dan pembalikan dinamika kekuasaan, menjadi sulit untuk menentukan mana yang lebih terganggu: Beckert atau masyarakat. Bisa dibilang protagonis film Lang adalah masyarakat itu sendiri dan penyimpangannya, mengungkap kebenaran yang sulit tentang bagaimana kita menemukan kenyamanan dalam melihat hal-hal dalam hitam dan putih, sering melupakan massa abu-abu yang ada di antara kita. Penggunaan suara dan motif utama dalam film ini juga dapat dilihat sebagai terobosan, berhasil melengkapi cerita polisi Lang yang luar biasa.

The Passion of Joan of Arc (1928) – Carl Theodor Dreyer

Seperti semua media artistik, sinema sangat dipengaruhi oleh mitos, agama, dan sejarah. Salah satu jenis yang paling populer untuk diceritakan dalam film adalah kisah Joan of Arc, gadis remaja yang dikirim oleh Tuhan untuk memimpin Prancis menuju kemenangan dalam Perang Seratus Tahun. Setelah memimpin Prancis dalam banyak pertempuran melawan Inggris, Joan of Arc ditangkap dan akhirnya diadili karena bid’ah oleh pendeta Prancis yang setia kepada Inggris. Banyak film Dreyer akan langsung mengadu domba dan skeptis; dalam film ini, para eksekutor Joan tidak membuktikan apa-apa selain kemunafikan mereka sendiri dan kurangnya komitmen terhadap cita-cita yang lebih tinggi. Kecepatan film ini cukup cepat, dengan tembakan ditempatkan satu demi satu yang membangun ketegangan dengan ahli, diselingi oleh banyak komposisi close-up yang melengkapi gravitasi kontekstual dari plot dan mewujudkan kualitas klaustrofobia berkecepatan tinggi yang mempertaruhkan taruhannya. kematian. Dengan kameranya, Dreyer mempelajari setiap karakternya dan menunjukkan rasa sakit di balik masing-masing karakter, membangun hubungan intim setiap karakter hanya melalui ekspresi dan gerak tubuh, menjadikannya salah satu film bisu terbaik yang pernah dibuat.

Leave a Comment