Ulasan seni: Era ironi hidup di Cove Street Arts

Kembali setelah peristiwa 11 September 2001 yang mengejutkan, editor Vanity Fair saat itu, Graydon Carter, dicerca karena menyatakan “akhir zaman ironi.” Argumennya adalah bahwa setelah tragedi yang tak terbayangkan dan mendalam, kesembronoan dan snark tidak lagi dapat diterima.

Lebih dari dua dekade kemudian, dua pertunjukan di Cove Street Arts membuktikan ironi itu hidup dan sehat, tetapi juga membuat argumen untuk nilai yang tidak perlu dipertanyakan dari bentuk ekspresi manusia ini. “Repartee” (sampai 26 Maret) menikmati ironi, menemukan sumber humor dan kecerdasan yang tak habis-habisnya di dalamnya, tetapi juga momen kepedihan yang tak terduga dalam penjajaran patung karya Amy Wilton dan lukisan karya Jim Flahaven.

“Michael Torlen: Dance Me to the End” (sampai 9 April) memvalidasi ironi sebagai mekanisme koping dan juga, dalam pengertian yang lebih klasik, mengingatkan kita pada Renaisans kesombongan tradisi, yang indah, jika bermoral, lukisan tentang kefanaan keberadaan manusia.

Ironi “Repartee” terwujud dalam kejenakaan judul mereka dan, lebih dalam kasus Wilton daripada Flahaven, permainan kata-kata visual. Wilton’s “Dia Akhirnya Aman” adalah patung benda yang ditemukan di mana seniman menutupi patung manekin fiberglass dengan ratusan sekrup dan paku yang mengarah ke luar. Memasangkan judul dengan pelindung diri yang ekstrem ini menghadirkan ironi yang mengundang tawa.

Namun ada juga kesedihan dalam ketakutan tersirat akan kerentanan kita sendiri – kualitas yang membuat kita menjadi manusia adalah kemampuan kita untuk merasakan dan dipengaruhi, bagaimanapun juga – yang memerlukan upaya pertahanan diri seperti itu. Resonansi mendalam dari karya itu sebenarnya menyakitkan secara fisik dan emosional.

Rasio penjajaran dalam pertunjukan ini tidak selalu satu banding satu. Ada lebih banyak lukisan Flahaven daripada patung Wilton, jadi asosiasi bebas tertentu tampaknya didorong. Lukisan tepat di sebelah “Aman”, “Menu Anak”, tidak terasa sangat tepat. Tetapi jika kita memahami rasa isolasi diri yang melekat pada “Aman”, tentu mudah untuk menghubungkannya dengan “Ms. Pacman” di dinding yang menghadap.

Jim Flahaven, “Ms. Pacman,” akrilik dan media campuran pada panel, ​48″ x 40″ Foto milik artis

“MS. Pacman” sendiri adalah salah satu lukisan Flahaven yang paling rumit dan indah. Mempersepsikannya dalam bidang visual “Aman” mungkin menunjukkan bagaimana permainan komputer adalah bentuk lain dari isolasi diri. Tapi lukisan itu sendiri, dengan cara tertentu, juga melakukannya sendiri.

Banyak karya Flahaven yang tersegmentasi ke dalam kuadran atau konfigurasi terstruktur lainnya oleh rantai atau tangga yang terdiri dari kotak warna-warni. Mereka tidak diatur secara ketat dalam cara Piet Mondrian (pengaruh Flahaven mengutip dalam pernyataannya), tetapi mereka tetap memaksakan kompartementalisasi yang mengisolasi lebih banyak bentuk organik cair – bentuk daun, aliran cair – dalam kotak mereka sendiri. Bentuk-bentuk ini (seperti emosi lapis baja di “Aman”) tidak dapat mengekspresikan diri mereka secara bebas.

Jim Flahaven, “Mengapa Anda Tidak Pergi dan Bedak Hidung Anda. Saya dan Louie Punya Bisnis untuk Didiskusikan,” panel arang dan akrilik, 24″ x 24″ Foto milik artis

Judul Flahaven sangat lucu. Diagonal di seberang “Aman” adalah dua lukisan: “Mengapa Anda Tidak Pergi dan Bedak Hidung Anda. Aku dan Louie Punya Urusan untuk Didiskusikan” dan, di sampingnya, “Dan aku akan lolos jika bukan karena anak-anak yang ikut campur itu.” Di depan ini adalah patung Wilton “Kepalanya di Pasir,” kaki dan selangkangan manekin yang ditutupi uang tembaga yang ditusukkan terbalik di atas pasir persegi.

Amy Wilton, “His Head is in the Sand,” menemukan patung objek, uang receh, fiberglass, dan resin, 43″ x 20″ x 12″ Foto milik artis

Pertama, sulit untuk mengabaikan bahwa “Dames” penuh dengan bentuk phallic dan testis, yang menekankan sikap laki-laki dari gelar tersebut. Dalam “Meddling Kids,” sebuah titik merah mencoba, dengan sia-sia, untuk bersembunyi di balik bentuk lain sambil berputar, bentuk terbang (mungkin anak-anak) beredar di sekitarnya. Kedua judul tersebut merujuk pada pemikiran kuno dan/atau delusi tertentu (“Dames” secara terang-terangan seksis dalam upayanya untuk meminimalkan kekuatan dan kompetensi wanita; “Anak-anak yang Mengganggu” tampaknya menyangkal bahwa perilaku buruk kita pada akhirnya selalu ketahuan). Patung Wilton, dalam konteks itu, dengan meriah mengirimkan kedua gagasan tentang kebodohan laki-laki.

Flahaven “Pakaian Anda Tampak Baik, Anda Hanya Perlu Dickey,” mengingatkan sepotong dasi umum di tahun 1950-an dan 60-an, sesuatu yang Anda harapkan untuk melihat dalam film Douglas Sirk atau Ang Lee “Ice Storm.” Pria yang memakai dickys saat itu menyebut pasangan mereka sebagai frasa yang sekarang menggelikan (dan berupa uang) “istri” dan “wanita kecil.” Beberapa bentuk berongga mengacu pada dicky berbentuk tabung dalam lukisan itu, yang condong ke jenis ekspresionisme abstrak yang lembut dan melamun.

Amy Wilton, “The Woman Who Remembered Who She Was,” media campuran menemukan objek patung, 28” x 13” x 10” Foto milik artis

Di dekatnya adalah “Wanita yang Mengingat Siapa Dia” Wilton, patung manekin lain yang tampaknya mewujudkan gagasan kuno yang sama tentang peran wanita dalam masyarakat – resimen bayi yang memberi isyarat untuk menyusui putingnya, tombol oven di mana lengannya seharusnya, mahkota mainan tentara Romawi di kepalanya (mungkin suaminya, saudara laki-laki, anak-anak yang penghasut perang).

Namun melingkari tubuhnya dan menutupi bagian belakang tengkoraknya adalah afirmasi positif yang mengatakan sesuatu yang lebih benar secara fundamental tentang siapa dia di luar ibu, pengasuh, pembantu rumah tangga, dan sebagainya: Semangat kreatif murni, Bergerak keluar dari jalinan pemikiran takut, dll.

Sangat menyenangkan mendekonstruksi pasangan ini. Jadi, Anda mungkin tidak menyadari betapa subur dan kayanya lukisan Flahaven. Sayang sekali. Rasa warna, bentuk, kedalaman, dan lapisannya sangat mempesona.

KEMATIAN DAN KEHIDUPAN

Torlen bergabung dengan silsilah seniman yang menggunakan karya mereka untuk bergulat dengan penyakit. Selama krisis AIDS, Kurt Reynolds dan Larry JaBell membuat kolase botol obat, tabung IV, dan kapsul. Tiko Kerr memasukkan perlengkapan AIDS miliknya yang sudah dibuang. Sam Francis, menderita TBC ginjal yang menyebabkan radang testis, menghasilkan serangkaian lukisan berjudul “Bola Biru.”

Seri lukisan “Memnto Mori” diproduksi saat Torlen menjalani kemoterapi, di mana ia mendapatkan paletnya dari obat-obatan berkode warna. Karya Memento mori penuh dengan simbol kematian manusia: tengkorak, jam pasir atau jam, lilin yang padam. Mereka terkait dengan lukisan vanitas, yang sering menyertakan simbol yang sama, tetapi juga instrumen, buku, anggur, dan barang duniawi lainnya yang mewakili kesombongan manusia.

Michael Torlen, “MTX1” (dari “Memento Mori”), akrilik dan berkedip di atas kertas pada panel, 24″ x 18″ Foto oleh Jay York

Tengkorak muncul dalam lukisan Torlen, seringkali dalam bentuk scan diagnostik, seperti halnya barcode dan nama obat kemo seperti Doxil dan Abraxane.

Seri kedua, “Penari,” adalah monoprint yang berhubungan lebih dekat dengan karya vanitas dalam arti bahwa citra mereka menyinggung seks dan sifat buruk: sosok mirip Venus yang menggairahkan, pasangan menari, bungkus rokok Unta, Times Square sebelum gentrifikasinya (beberapa mungkin mengatakan Disneyfication) ketika itu adalah lokus bioskop porno dan hotel sewa-per-jam, dan sebagainya. Beberapa dari simbol-simbol ini kadang-kadang muncul dalam lukisan “Memnto Mori” juga.

Kedua seri ini menarik dan dieksekusi dengan baik. Saya akan mengatakan mungkin ada terlalu banyak karya “Penari”, karena setelah beberapa saat mereka merasa repetitif; citra yang sama diacak dan diacak di permukaan. Palet yang hidup dan citra kematian dari lukisan “Memento Mori” memberi mereka lebih banyak kekuatan dan kedekatan.

Michael Torlen, “Orang Asing” (dari “Penari”), monoprint dengan tinta berbasis minyak dan air, potongan kayu, linocut, stensil, flash dan guas di atas kertas BFK, 22″ x 18″ Foto oleh Jay York

Kadang-kadang, seri terakhir bisa tidak bisa dipahami. Gambar manusia gelembung kartun, sosok Hermes, bentuk seperti kincir tiga warna, paus pembunuh, ikan … kita hanya bisa menebak. Ini mengingatkan saya pada lukisan Jasper Johns tentang citra campur aduk yang begitu pribadi – bayangan, siluet seorang prajurit dari altarpiece Isenheim, tembikar George Ohr – sehingga lukisan itu terasa agak terpencil dan penuh teka-teki, jika dilukis dengan indah.

Tapi ada banyak teknik di sini, dan perasaan menantang dalam menghadapi kematian yang muncul dengan keras dan jelas, seringkali melalui bahasa ironi (papan reklame menjajakan rokok yang akan membunuh Anda, pasangan menari dengan riang melewati tengkorak dan X- sinar). Itu saja sudah merupakan perayaan dan peneguhan kehidupan, unsur-unsur yang tidak ada dalam lukisan kenang-kenangan mori dan vanitas. Akibatnya, lukisan “Memmento Mori” Torlen tidak terlihat bermoral. Sebaliknya, mereka merasa terbuka, rentan dan, pada akhirnya, gembira.

Jorge S. Arango telah menulis tentang seni, desain dan arsitektur selama lebih dari 35 tahun. Dia tinggal di Portland. Dia bisa dihubungi di: [email protected]


Gunakan formulir di bawah ini untuk mengatur ulang kata sandi Anda. Ketika Anda telah mengirimkan email akun Anda, kami akan mengirimkan email dengan kode reset.

Leave a Comment